Conociendo A... Dani Solís
P: Si tu música fuera una frontera entre dos mundos —la Colombia que dejaste atrás y la Vitoria en la que vives ahora—, ¿qué historias cruzarían esa línea sin pedir permiso?
Historias de lucha y perseverancia, al final es comprender un pasado vivir un presente y plantear un futuro, y lo que nos mueve va a ser siempre la convicción de lo que queremos ser
P:¿Qué sonido, ruido cotidiano o momento insignificante terminó convirtiéndose en una pieza clave para una de tus canciones sin que nadie lo sospeche?.
Una conversación con una persona que no tenía nada que ver con la música y me pareció súper interesante esta charla, allí me dio una luz para una canción porque sentí que yo estaba pasando por lo mismo desde otro punto de vista
P: Cuando sientes que una canción se te está escapando de las manos, ¿eres más de perseguirla, dejar que te guíe o perderte a propósito a ver dónde aterrizas?
No pienso mucho que una canción se puede escapar de las manos sabes, siempre tengo una idea un eje central y lo que sí hago es darle su tiempo hasta que quedó contento con el proceso entonces soy más de de dejar que me guíe y que me vaya mostrando el propósito y al final se aterriza y se materializa
P: Si el Dani Solís actual pudiera hackear una canción tuya del pasado para cambiarle una sola cosa, ¿qué sería: una palabra, una verdad, o una mentira que ya no te crees?
Sería sí una palabra o un contexto de que ya no sigo esperando algo sino que al contrario ya lo sane y me reconcilié con lo que antes me dolía
P: Una canción suele empezar como un secreto. ¿Cuál es el secreto más inesperado que guarda tu nuevo proyecto y que todavía nadie ha descubierto?
Bueno todo el proyecto forma un mapa emocional. Cada canción parece independiente, pero todas llevan a un mismo punto. No lo he contado a nadie todavía, pero quien escuche el proyecto completo lo puede notar.
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El recorrido artístico de Sergio Freire es el de una búsqueda constante: una evolución orgánica que ha sabido transitar con naturalidad entre la introspección, la raíz y la electricidad. Desde la aparición de su primer EP, donde ya se intuía una querencia por las sonoridades de corte americana, Freire comenzó a perfilar una identidad propia marcada por la honestidad lírica y una sensibilidad melódica que bebía tanto del folk como del country más emocional. Aquel punto de partida, íntimo y contenido, fue creciendo en matices y ambición con cada lanzamiento posterior. Sin perder nunca el pulso narrativo, su música empezó a abrirse hacia estructuras más amplias y una instrumentación más rica, acercándose progresivamente a un rock de corte clásico en castellano que encuentra en la carretera, el desgarro y la verdad sus principales señas de identidad.
Ricardo Portman firma con A Five-Year Instant un nuevo capítulo en su carrera: su quinto álbum de estudio y el primero que nace tras su regreso a España después de su etapa en Londres. Ya disponible en plataformas digitales, el disco no es solo un lanzamiento más, sino un giro claro en su narrativa artística: menos ornamento, más verdad; menos distancia, más piel. A lo largo de diez canciones, Portman destila cinco años de vivencias intensas —del amor al vértigo, de la culpa a la esperanza— en una especie de diario emocional fragmentado. El sonido, que se mueve entre el blues-rock y el pop alternativo, rehúye cualquier artificio para centrarse en lo esencial: capturar emociones en estado puro, sin domesticar. La estética del álbum acompaña esa idea de tránsito constante. La imagen, tomada desde la ventanilla de un tren en marcha, en blanco y negro, actúa como metáfora visual de todo lo que atraviesa el disco: recuerdos que se diluyen, pensamientos en fuga y esa extraña sensación de avanzar incluso cuando todo parece suspendido. El recorrido arranca con “Deer”, una apertura contenida y vulnerable que marca el tono del viaje. A partir de ahí, el álbum se despliega en un vaivén de intensidades: “Trepidation Blues” abraza la inquietud desde lo acústico, mientras “She’s My Girl” estalla con una energía cruda y casi punk. En “Scared”, Portman se adentra en el conflicto interno con una delicadeza incómoda, antes de que “Hurricane” irrumpe como una tormenta emocional, tan magnética como destructiva.
Brigida regresa a la más rabiosa actualidad con su primera incursión cantando en castellano. Para este debut no podía elegir un tema más acertado como ¨Carole King¨ , un tema que se adapta como un guante a Brigida y con el que abre una nueva senda para descubrir su música. “Carole King” se adentra en ese territorio incierto donde chocan el impulso y la razón . La canción relata cómo una conexión inesperada puede poner en jaque las convicciones más firmes. Su protagonista se ve atrapada en una atracción tan intensa como incómoda hacia alguien que ya tiene un compromiso, consciente en todo momento del riesgo que implica dejarse llevar. El estribillo recurre a la imagen del Dr. Jekyll y Mr. Hyde para ilustrar ese pulso interno entre lo que dicta la cabeza y lo que empuja el corazón . Dos fuerzas opuestas que conviven en el mismo cuerpo y que convierten la historia en un retrato reconocible de esas contradicciones que todos hemos sentido alguna vez. Más allá de una historia de tentación, la canción funciona como una mirada íntima a la complejidad emocional humana , a esos pensamientos que pocas veces confesamos en voz alta. El título, además, encierra un guiño especial: no solo acompaña la atmósfera del relato, sino que rinde homenaje a Carole King, una de las grandes influencias en el universo creativo de Brígida, tanto por su forma de escribir canciones como por su sensibilidad interpretativa.
La cantante y compositora azoriana Marisa Oliveira anuncia el lanzamiento de su nuevo sencillo, “Procrastinar”. Se trata de una canción vibrante y con carácter que convierte un hábito cotidiano en el eje de una propuesta musical fresca y cargada de personalidad. Con un tono desenfadado y una clara vocación satírica, “Procrastinar” aborda esa tendencia universal a posponer tareas, decisiones y propósitos . A través de una narrativa ágil y llena de guiños , el tema se mueve entre excusas recurrentes, buenas intenciones y listas interminables que nunca llegan a completarse, reflejando con humor una realidad tan común como inevitable: el tiempo avanza, el “mañana” se repite… y todo sigue pendiente. En lo sonoro, la canción se desplaza con naturalidad entre el funk, el pop y el rock , manteniendo como sello distintivo la presencia de la guitarra clásica, un elemento clave en la identidad artística de Oliveira. Este nuevo lanzamiento supone además un giro en su trayectoria reciente, alejándose de registros más introspectivos para explorar una faceta más irónica, luminosa y enérgica.
El músico y escritor peruano Wayo vuelve a cruzar el Atlántico para iniciar una nueva etapa artística con su novena gira por Europa, un recorrido que reafirma su singular manera de entender la música como un espacio de pensamiento, emoción y diálogo con el público. Bajo el título “Creer para Crear”, el artista visitará escenarios de Madrid, Valencia, Bilbao, Sevilla, Oviedo, Tres Cantos, Zaragoza y Donostia, apostando por un formato íntimo donde la cercanía y la palabra tienen tanto peso como las propias canciones. Este nuevo tour coincide con una etapa especialmente fértil en la carrera del cantautor, quien continúa dando forma sobre los escenarios a su proyecto “Reflexiones Paramusicales: Creer para Crear”, una obra híbrida que une libro y disco para explorar la creatividad, la disciplina y los procesos que hay detrás del acto artístico. Más que un simple lanzamiento, se trata de una propuesta que invita a escuchar y leer como partes de una misma experiencia. Con una trayectoria consolidada dentro del rock peruano, Wayo ha cultivado una identidad artística marcada por la independencia y la curiosidad intelectual. Sus conciertos no se limitan a una sucesión de temas, sino que se convierten en encuentros donde la música convive con relatos personales, reflexiones y un diálogo directo con la audiencia. Esta gira europea no solo le permitirá reencontrarse con seguidores de larga data, sino también abrir su universo creativo a nuevos oyentes en distintas ciudades de la península.
La trayectoria de Riveiro es la de un proyecto en constante transformación, una evolución que ha sabido crecer sin perder de vista su esencia. Desde la publicación de su primer EP, la banda comenzó a trazar un camino propio dentro de la escena, apostando por un sonido directo y emocional, donde las guitarras y las melodías se entrelazaban con una narrativa honesta y cercana. Aquel primer capítulo mostraba a un grupo en estado de búsqueda, explorando texturas y estructuras con una frescura casi instintiva. Con el paso del tiempo, esa intuición fue dando paso a una propuesta más sólida y definida, en la que la banda empezó a afinar su identidad sonora, ampliando su paleta musical y apostando por una producción más ambiciosa sin renunciar a la intensidad que los caracteriza. Cada lanzamiento ha supuesto un paso adelante, tanto en lo sonoro como en lo conceptual. Riveiro ha ido incorporando nuevos matices a su música, transitando desde un enfoque más crudo hacia composiciones más elaboradas, donde conviven la energía del directo con una sensibilidad cada vez más cuidada en los arreglos. Este crecimiento se traduce en canciones que no solo conectan desde lo inmediato, sino que también invitan a una escucha más profunda.
La gira de Solisombra no se entiende como una sucesión de fechas, sino como un viaje que crece en intensidad a cada parada. En ese recorrido, Peepshow hará escala en Madrid para firmar una de las noches más especiales del tour: el próximo 8 de abril en Sala Vesta, un enclave que se ha consolidado como punto de encuentro para quienes buscan directos sin artificios y con verdad. Lejos de plantear un simple concierto, la banda convierte cada actuación en una experiencia envolvente. Las canciones se suceden como capítulos de una misma historia: comienzan desde la contención, casi susurradas, y evolucionan hacia crescendos donde las guitarras se expanden, la base rítmica golpea con precisión y la energía termina por desbordar la sala. Es ahí donde el repertorio cobra sentido, transformándose en un relato vivo que desemboca en un desenlace catártico. Este despliegue escénico encuentra su origen en Solisombra, un álbum de once cortes que refleja el momento actual del grupo: intenso, luminoso y lleno de matices. El disco no solo reafirma su identidad sonora, sino que abre nuevas vías en la composición del trío formado por Uve Martínez, Germán García y Ana Moncho, marcando un punto de inflexión tras más de dos décadas de trayectoria.
“Estoy atrapado” es el nuevo single de los sevillanos La Isla de Peter. Una canción que nace de una sensación tan cotidiana como universal: ese instante en el que la vida parece detenerse y uno se queda frente a un cruce de caminos sin saber muy bien hacia dónde avanzar . Es una canción que pone voz a la incertidumbre, a las dudas que aparecen cuando todo parece moverse a la vez y las decisiones pesan más de lo habitual. Seguir adelante o quedarse donde uno está, hablar con sinceridad o guardar silencio para no complicar lo que ya resulta frágil: la canción se mueve precisamente en ese territorio incómodo pero profundamente humano. A través de una letra directa y cargada de emoción, el tema se adentra en el peso del pasado, en los recuerdos que a veces regresan cuando menos se esperan y en esos secretos que todos, en algún momento, hemos preferido guardar. Porque hay ocasiones en las que intentamos ser claros con alguien, encontrar las palabras exactas para explicar lo que sentimos… pero las frases se quedan a medio camino y la sensación de estar atrapado se hace aún más evidente. Lejos de ofrecer respuestas fáciles o moralejas, “Estoy atrapado” apuesta por algo más honesto: compartir una emoción que cualquiera puede reconocer . Es una canción que habla de ese punto intermedio en el que todavía no hay certezas, solo preguntas. Ese lugar donde las decisiones se aplazan, las palabras se piensan demasiado y el tiempo parece quedarse suspendido.