Ricardo Portman presenta ¨Old Church Street¨, su disco más personal y profundo 

La espera ha llegado a su fin. Por fin podemos disfrutar del esperado nuevo disco de Ricardo Portman ¨Old Church Street¨ (MusicHunters Records, 2025), su cuarto disco tras los LPs Castaway (2021) y Turpentine (2024), además del EP Bonfire Coast (2023).

Los nueve temas de Old Church Street (todos compuestos, interpretados y producidos por Ricardo Portman) se grabaron en Crofton House, Chelsea, Londres, entre agosto y noviembre de 2024, con grabaciones adicionales en Cerdanyola del Vallés en enero de 2025. Las canciones se mueven en el territorio del blues, el folk, el lo-fi rock y el pop alternativo, con un creciente abanico de instrumentación que ha ido expandiéndose disco a disco, hasta llegar a la materialización de Old Church Street. Ricardo Portman se encarga de la voz, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, piano, piano eléctrico, órgano, percusión y armónica. 

En este nuevo trabajo aparecen diseminadas por cada una de las nueve canciones que lo componen sus influencias principales como The Beatles y los Rolling Stones, David Bowie, The Band, Nick Drake, Eric Clapton, Izzy Stradlin, Beck, R.E.M. y Syd Barrett, entre otros.


Sobre el tracklist dice Portman: “No suelo incluir temas personales en mis letras pero las reglas están para romperlas y con Mean Mother Mary, tema que abre el disco y que fue el primer single, quise ponerle sonidos a un pretérito y abusivo episodio laboral de mi vida (All down the line!). Evidentemente el látigo es figurado pero la ‘Mother Mary’ es una persona real, que seguirá azotando en el momento que escribo estas líneas. Semi-esclavitud es la palabra que buscaba. Mean Mother Mary contiene el espíritu encubierto de canto de trabajo y algunas personas pueden sentirse identificadas. 

 

Mind Your Head es una canción que surgió en mi cabeza de forma espontánea e inesperada mientras cogía un autobús de la línea 19 a Piccadilly Circus en Londres. La frase de una pegatina en el piso superior me hizo empezar a canturrear por lo bajo. En cuanto llegué a mi destino tenía la letra completa en mi cabeza (y en el bloc de notas de mi móvil). El riff de guitarra ya daba vueltas desde hacía algunas semanas, cuando lo compuse una tarde soleada en Battersea Park, así que todo estaba a punto para la creación de una canción que ahora llega en su forma definitiva. ¿De qué va? Pues de que por mucho daño emocional que se pueda hacer siempre hay que tener ‘cuidado con la cabeza’ cuando te bajas del bus de una relación. Perdón y olvido son los pilares de un buen finiquito amoroso. Así de simple. 

 

The Enemy es un canto sutil a ‘mi némesis’, que puede ser una persona, muchas o no necesariamente una persona, sino una situación, un tiempo o una circunstancia. En lo musical es quizás mi canción propia favorita. Malibu es un viaje figurado a la costa californiana, con la imagen idealizada de un Malibu- Beach-Boys que fue arrasado por el fuego. Es una balada cargada de mucha y sincera emoción personal con un guiño a mi admirado David Bowie. 

 

Sunset Eyes inició como una letra buscando una canción, un ejercicio libre donde las imágenes brotan de una letra de amor real. The Serpentine es el “regreso” a mi canción ‘Smith’, es la actualización de la oda a mi pareja desde la perspectiva de un día que pasamos en Hyde Park; es una de las letras donde más desnudo mis sentimientos. Crystal G Blues es mi canto cariñoso y minimalista, en afinación de Sol abierto, a la generación de cristal; me gusta abrir melones y meterme en jardines. Esto no es personal, only business. 

The Devil Pays With Treason es un blues rasposo donde ajusto cuentas. That’s it. El disco se cierra con Justice Walk, una jam donde se repite en bucle la frase ‘Not Guilty’ y tiene su explicación. Durante su estancia en Chelsea, Ricardo Portman vivía muy cerca de una pequeña y bonita calle llamada ‘Justice Walk’ y antiguamente había ahí un famoso tribunal desde donde salían los presos para ser ejecutados o (raramente) absueltos. Suponemos que la frase más dicha ahí, por siglos, fue “I’m not guilty”. Esto es un blues eléctrico con una coda volcánica”





29 de enero de 2026
VicSan da por cerrados los adelantos antes de la llegada de su nuevo disco . Y lo hace por todo lo alto, dejándonos con la miel en los labios en forma de temazo emocional.“La Cura del Tiempo” nace del anhelo casi desesperado de poder adelantar el reloj cuando los demonios personales no dan tregua , cuando el día y la noche se confunden en una misma lucha interna. Es el deseo de que el tiempo actúe como un remedio inmediato, capaz de cerrar heridas sin tener que atravesar el doloroso proceso del duelo , de saltarse las etapas del sufrimiento y llegar directamente a la calma. La canción pone el foco en esa contradicción tan humana : cuanto más intensamente se desea que algo ocurra —que el dolor desaparezca, que todo encaje, que alguien vuelva—, más esquivo parece volverse. El estribillo recoge esa realidad de forma directa y sin adornos, funcionando como un espejo de esos momentos en los que la espera se hace insoportable y la esperanza pesa más que el propio silencio. En su narrativa conviven dos planos emocionales opuestos , pero conectados: una persona que parece volar alto, avanzando sin mirar atrás, y otra que permanece anclada a la ausencia, echando de menos y aprendiendo a convivir con lo que ya no está. “La Cura del Tiempo” no ofrece respuestas fáciles, pero sí una verdad honesta : el tiempo no siempre cura cuando queremos , pero acaba siendo el único lugar donde las heridas aprenden a cicatrizar.
23 de enero de 2026
Derrotero lanza ¨Glicinia¨, su nuevo disco, un trabajo que plasma el viaje personal de Borja Romero. Glicinia es un símbolo. Como la planta que crece firme y se abre paso con el tiempo, el disco representa un proceso de maduración personal y artística , un viaje que no busca respuestas inmediatas, sino comprender el camino recorrido y aceptar las cicatrices como parte del trayecto. Es un viaje profundo y transformador, que atraviesa la oscuridad y la duda, pero también la valentía de resistir, la fuerza para encontrar un propósito y la luz que emerge al final. Este recorrido emocional es una danza introspectiva, casi poética, donde cada tema refleja las distintas etapas del proceso de abrazar la vida en su totalidad. Aunque se enfrentan dificultades internas, el viaje también este lleno de momentos de crecimiento, resiliencia y la búsqueda constante de esperanza. Es una exploración de como el sufrimiento, lejos de ser un obstáculo, puede ser la chispa que nos impulsa a descubrir nuestra verdadera fortaleza y a encontrar la paz en medio del caos. El proyecto se entiende como un viaje de búsqueda personal , un recorrido honesto por las luces y sombras de la experiencia cotidiana. Canción a canción, Derrotero va trazando un mapa emocional que avanza con paso firme hacia la publicación de su primer álbum completo , una obra llamada a consolidar su identidad artística y a situarlo como una de las voces más auténticas y singulares del rock hecho desde Barcelona.
19 de enero de 2026
Atman presentan su primer, y homónimo, disco cargado de atmósferas envolventes y canciones honestas
19 de enero de 2026
Descubrimos al Ricardo Portman más intimo y personal
15 de enero de 2026
Peepshow regresa con ¨Solisombra¨su esperado nuevo disco
Por La Isla de Peter presenta ¨Mi Suerte¨ una ranchera-pop que transita el desamor desde el orgullo herido y la vulnerabilidad 15 de enero de 2026
Los sevillanos La isla de Peter regresan por todo lo alto con un single que deja bien a las claras su amplio espectro de influencias musicales . Una banda que se sabe mover como pez en el agua por diferentes estilos musicales, lo cual dejan bien a las claras con ¨Mi Suerte¨. ¨Mi Suerte¨ es una ranchera-pop que transita el desamor desde el orgullo herido y la vulnerabilidad . La canción retrata la caída de alguien que se creía invencible y que, con la marcha del amor, ve cómo todo se desmorona a su alrededor. Lo que antes era seguridad se convierte en duda, y la fortaleza deja paso a una profunda sensación de pérdida. Entre recuerdos que no dan tregua, culpas que pesan más de la cuenta y una racha de mala suerte que parece no terminar, el vino aparece como confidente silencioso y refugio improvisado. La nostalgia se instala sin pedir permiso y acompaña cada pensamiento, cada intento fallido de olvidar. Sin embargo, en medio de la derrota emocional, la canción deja espacio para una última certeza: si ella vuelve, también lo hará la suerte . Una esperanza frágil, pero persistente que mantiene viva la fe en que el amor, aun herido, puede volver a cambiarlo todo.
14 de enero de 2026
Con Tu Piel, el artista colombiano Dani Solís presenta un nuevo capítulo en su trayectoria musical, una canción que captura el instante exacto en el que el amor deja de ser una intuición y se convierte en certeza. A través de miradas, caricias y el roce de dos cuerpos que se reconocen, el tema narra ese enamoramiento inevitable que enloquece y transforma. Con una letra directa y profundamente sensorial , Tu Piel habla de la magia de sentir a otra persona tan cerca que el alma parece habitar en su ser. Es una historia de deseo contenido, de noches que prometen amaneceres compartidos y de la vulnerabilidad que implica admitir sin reservas: “ya puedo ver, me enamoré”. Una confesión íntima que conecta con cualquiera que haya sentido cómo un solo contacto puede cambiarlo todo. Musicalmente, la canción se mueve entre la sensibilidad del pop latino contemporáneo y una atmósfera envolvente que prioriza la emoción por encima del artificio. Dani Solís construye el r elato desde la cercanía, apoyándose en una interpretación vocal cálida y honesta, capaz de transmitir tanto fragilidad como intensidad emocional. La producción acompaña este viaje con elegancia y sutileza, reforzando el clima íntimo que envuelve al tema.
14 de enero de 2026
Tres voces, un mismo pulso emocional: Ramdel presenta “Mi Pasatiempo”
8 de enero de 2026
● ¿En qué “esquina” nace realmente la banda: una física, una emocional o una musical… y qué tiene ese cruce que define hoy por hoy al proyecto? La Esquina surge de la idea de Juanfe Jiménez y Jorge León de montar una banda mientras los dos estudiaban Medicina. Todo empezó en la facultad de Medicina de la UCM. De hecho, llegamos a hacer allí algún ensayo con la consiguiente bronca de algún profesor. Previamente Juanfe había estado en otra banda que montó en su época de colegio: Línea 6. Barajamos varios nombres que prefiero no comentar (). Este último (La Esquina) se me ocurrió a mí. Es como un lugar o un punto de confluencia en sentido general ● Toda banda tiene un punto de inflexión: ¿cuál fue ese momento en el que La Esquina dejó de ser una idea y pasó a sentirse como un proyecto real? Desde el principio tenía (al menos yo) vocación/intención de llegar a cualquier sitio, sin límites. Evidentemente eso no dependía sólo de nosotros y las circunstancias nos llevaron por diferentes sitios. Hubo un momento, con la incorporación de Maxi (Maxi Lacosta), en que pasamos a un nivel superior de sonido, calidad y compromiso. Esto sería en torno a 1991. Sonábamos bien, mejoraron las canciones y teníamos muchos seguidores. Tocábamos casi todas las semanas y aparecíamos en los carteles de las principales salas de Madrid de la época. Puedo decir que fuimos de las primeras bandas en tocar en Siroco y que allí actuábamos muchas veces. En 1993 recibimos el premio al Mejor Grupo POP Siroco 93. ● Cuando compones, ¿eres más de darle mil vueltas a todo hasta el último acorde o de dejar que el caos haga su trabajo? Mi forma de componer ha cambiado con el tiempo. Ahora suelo coger la guitarra y empiezo a concatenar acordes que en ese momento me inspiran algo; lo dejo grabado en el móvil con alguna melodía improvisada con palabras sin sentido. Suelo tener muchas de esas grabaciones cortas (de segundos) en el móvil. Además, voy escribiendo frases o conceptos que van surgiendo en un cuaderno o en el móvil: cosas que se me ocurren, pensamientos, frases de canciones, de libros o de películas… Cosas que creo que pueden dar forma a una historia. De repente un día, al re-escuchar alguna grabación la sensación de “aquí hay algo” es más intensa y me centro en ella. Actualmente trabajo más los temas que en el pasado: la música, las partes, las letras. Les dedico más tiempo: las escucho y vuelvo a escuchar hasta que me convence de forma casi completa.
8 de enero de 2026
El Laberinto es el nuevo single de Marcelo Champanier , una canción con la que el artista argentino nos sigue encaminando hacía lo que será su disco en directo, el cual fue grabado en la emblemática sala Honky Tonk de Madrid , capturando la esencia más cruda y honesta de su propuesta artística. El tema refleja ese espacio emocional en el que perderse también forma parte del camino, un recorrido interno marcado por dudas, contradicciones y la necesidad de avanzar incluso cuando no hay una salida clara. La letra de El Laberinto funciona como una metáfora vital: decisiones que se cruzan, vueltas sobre uno mismo y la sensación de estar atrapado entre lo que se es y lo que se busca . Marcelo Champanier convierte esa confusión en relato, apoyándose en una interpretación intensa y cercana que conecta directamente con el oyente. La canción habla de caídas, de preguntas sin respuesta y de la valentía que implica seguir caminando aún sin certezas . Champanier reafirma así su capacidad para transformar experiencias íntimas en canciones honestas y universales. Con una trayectoria que lo ha convertido en una de las voces más personales y sensibles de la escena hispanoamericana .
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