Sr. Bizarro debuta con Frecuencias y Armonías Temporales, un primer disco que funciona como un estallido de energía y emociones en constante movimiento. La banda alicantina presenta un álbum directo, cambiante y sin corsés, pensado para conectar con el oyente desde la primera escucha y llevarlo de la introspección al baile sin pedir permiso. Lejos de etiquetas cerradas, el disco transita por paisajes sonoros diversos que responden a una necesidad clara de renovación y frescura dentro del panorama actual. Cada canción abre una puerta distinta, alternando momentos de reflexión con otros de pulsión rítmica, siempre con una identidad propia que se niega a quedarse quieta. Nos sentamos para charlar con ellos de una manera más amena. ⁠Si vuestro nuevo disco fuera una película, ¿sería más drama existencial, comediacaótica o thriller emocional… y quién moriría primero? Comedia caótica y moriría yo primero sin duda jajajaja 🙄 ¿Qué canción del álbum creéis que mejor representa a Sr. Bizarro cuando está defiesta… y cuando está en plena crisis a las 3 de la mañana? ⁠“Tú También Canallas”🔥 Si tuvierais que describir el sonido de este disco usando solo comida, ¿qué menú nos estaríais sirviendo? ⁠Sería un menú que te dejaría satisfecho, con sabores variados e intensos, repetirías seguro 😋 ¿Hay alguna letra del disco que ahora os dé un poco de vergüenza… o de la que estéis peligrosamente orgullosos? ⁠ ⁠Subrayo todo lo escrito en este disco, y volvería a repetir hasta los mismos errores o gamberradas que describen las historias de este disco ❤️…. Y peligrosamente orgullosos de “Labios Violetas”🫦 Imaginad que alguien escucha el disco por primera vez en bucle durante un viaje largo: ¿en qué momento exacto creéis que se engancha sin remedio? ⁠En el segundo 15🚀☄️😌

El potente directo de Evanora se disfrutará en el Original Fest 2026

Solar se presenta en sociedad por todo lo alto

El recorrido artístico de Sergio Freire es el de una búsqueda constante: una evolución orgánica que ha sabido transitar con naturalidad entre la introspección, la raíz y la electricidad. Desde la aparición de su primer EP, donde ya se intuía una querencia por las sonoridades de corte americana, Freire comenzó a perfilar una identidad propia marcada por la honestidad lírica y una sensibilidad melódica que bebía tanto del folk como del country más emocional. Aquel punto de partida, íntimo y contenido, fue creciendo en matices y ambición con cada lanzamiento posterior. Sin perder nunca el pulso narrativo, su música empezó a abrirse hacia estructuras más amplias y una instrumentación más rica, acercándose progresivamente a un rock de corte clásico en castellano que encuentra en la carretera, el desgarro y la verdad sus principales señas de identidad.

Ricardo Portman firma con A Five-Year Instant un nuevo capítulo en su carrera: su quinto álbum de estudio y el primero que nace tras su regreso a España después de su etapa en Londres. Ya disponible en plataformas digitales, el disco no es solo un lanzamiento más, sino un giro claro en su narrativa artística: menos ornamento, más verdad; menos distancia, más piel. A lo largo de diez canciones, Portman destila cinco años de vivencias intensas —del amor al vértigo, de la culpa a la esperanza— en una especie de diario emocional fragmentado. El sonido, que se mueve entre el blues-rock y el pop alternativo, rehúye cualquier artificio para centrarse en lo esencial: capturar emociones en estado puro, sin domesticar. La estética del álbum acompaña esa idea de tránsito constante. La imagen, tomada desde la ventanilla de un tren en marcha, en blanco y negro, actúa como metáfora visual de todo lo que atraviesa el disco: recuerdos que se diluyen, pensamientos en fuga y esa extraña sensación de avanzar incluso cuando todo parece suspendido. El recorrido arranca con “Deer”, una apertura contenida y vulnerable que marca el tono del viaje. A partir de ahí, el álbum se despliega en un vaivén de intensidades: “Trepidation Blues” abraza la inquietud desde lo acústico, mientras “She’s My Girl” estalla con una energía cruda y casi punk. En “Scared”, Portman se adentra en el conflicto interno con una delicadeza incómoda, antes de que “Hurricane” irrumpe como una tormenta emocional, tan magnética como destructiva.

Brigida regresa a la más rabiosa actualidad con su primera incursión cantando en castellano. Para este debut no podía elegir un tema más acertado como ¨Carole King¨ , un tema que se adapta como un guante a Brigida y con el que abre una nueva senda para descubrir su música. “Carole King” se adentra en ese territorio incierto donde chocan el impulso y la razón . La canción relata cómo una conexión inesperada puede poner en jaque las convicciones más firmes. Su protagonista se ve atrapada en una atracción tan intensa como incómoda hacia alguien que ya tiene un compromiso, consciente en todo momento del riesgo que implica dejarse llevar. El estribillo recurre a la imagen del Dr. Jekyll y Mr. Hyde para ilustrar ese pulso interno entre lo que dicta la cabeza y lo que empuja el corazón . Dos fuerzas opuestas que conviven en el mismo cuerpo y que convierten la historia en un retrato reconocible de esas contradicciones que todos hemos sentido alguna vez. Más allá de una historia de tentación, la canción funciona como una mirada íntima a la complejidad emocional humana , a esos pensamientos que pocas veces confesamos en voz alta. El título, además, encierra un guiño especial: no solo acompaña la atmósfera del relato, sino que rinde homenaje a Carole King, una de las grandes influencias en el universo creativo de Brígida, tanto por su forma de escribir canciones como por su sensibilidad interpretativa.

La cantante y compositora azoriana Marisa Oliveira anuncia el lanzamiento de su nuevo sencillo, “Procrastinar”. Se trata de una canción vibrante y con carácter que convierte un hábito cotidiano en el eje de una propuesta musical fresca y cargada de personalidad. Con un tono desenfadado y una clara vocación satírica, “Procrastinar” aborda esa tendencia universal a posponer tareas, decisiones y propósitos . A través de una narrativa ágil y llena de guiños , el tema se mueve entre excusas recurrentes, buenas intenciones y listas interminables que nunca llegan a completarse, reflejando con humor una realidad tan común como inevitable: el tiempo avanza, el “mañana” se repite… y todo sigue pendiente. En lo sonoro, la canción se desplaza con naturalidad entre el funk, el pop y el rock , manteniendo como sello distintivo la presencia de la guitarra clásica, un elemento clave en la identidad artística de Oliveira. Este nuevo lanzamiento supone además un giro en su trayectoria reciente, alejándose de registros más introspectivos para explorar una faceta más irónica, luminosa y enérgica.

El músico y escritor peruano Wayo vuelve a cruzar el Atlántico para iniciar una nueva etapa artística con su novena gira por Europa, un recorrido que reafirma su singular manera de entender la música como un espacio de pensamiento, emoción y diálogo con el público. Bajo el título “Creer para Crear”, el artista visitará escenarios de Madrid, Valencia, Bilbao, Sevilla, Oviedo, Tres Cantos, Zaragoza y Donostia, apostando por un formato íntimo donde la cercanía y la palabra tienen tanto peso como las propias canciones. Este nuevo tour coincide con una etapa especialmente fértil en la carrera del cantautor, quien continúa dando forma sobre los escenarios a su proyecto “Reflexiones Paramusicales: Creer para Crear”, una obra híbrida que une libro y disco para explorar la creatividad, la disciplina y los procesos que hay detrás del acto artístico. Más que un simple lanzamiento, se trata de una propuesta que invita a escuchar y leer como partes de una misma experiencia. Con una trayectoria consolidada dentro del rock peruano, Wayo ha cultivado una identidad artística marcada por la independencia y la curiosidad intelectual. Sus conciertos no se limitan a una sucesión de temas, sino que se convierten en encuentros donde la música convive con relatos personales, reflexiones y un diálogo directo con la audiencia. Esta gira europea no solo le permitirá reencontrarse con seguidores de larga data, sino también abrir su universo creativo a nuevos oyentes en distintas ciudades de la península.

La trayectoria de Riveiro es la de un proyecto en constante transformación, una evolución que ha sabido crecer sin perder de vista su esencia. Desde la publicación de su primer EP, la banda comenzó a trazar un camino propio dentro de la escena, apostando por un sonido directo y emocional, donde las guitarras y las melodías se entrelazaban con una narrativa honesta y cercana. Aquel primer capítulo mostraba a un grupo en estado de búsqueda, explorando texturas y estructuras con una frescura casi instintiva. Con el paso del tiempo, esa intuición fue dando paso a una propuesta más sólida y definida, en la que la banda empezó a afinar su identidad sonora, ampliando su paleta musical y apostando por una producción más ambiciosa sin renunciar a la intensidad que los caracteriza. Cada lanzamiento ha supuesto un paso adelante, tanto en lo sonoro como en lo conceptual. Riveiro ha ido incorporando nuevos matices a su música, transitando desde un enfoque más crudo hacia composiciones más elaboradas, donde conviven la energía del directo con una sensibilidad cada vez más cuidada en los arreglos. Este crecimiento se traduce en canciones que no solo conectan desde lo inmediato, sino que también invitan a una escucha más profunda.