Ricardo Portman abre en canal su nuevo ciclo creativo con “Deer”, segundo adelanto de su próximo álbum A Five-Year Instant, un trabajo que verá la luz en los próximos meses y que marca un antes y un después en su trayectoria. No es una canción amable ni busca serlo: es un punto de inflexión, un gesto de exposición y una necesidad urgente de convertir el presente en sonido. “Deer” es, hasta la fecha, la composición más personal y descarnada de Portman. Lejos de cualquier artificio, la canción avanza como un ejercicio de honestidad radical, tenso y visceral, donde la emoción no se maquilla ni se suaviza. Aquí la vulnerabilidad no aparece como debilidad, sino como fuerza creativa y motor narrativo. La canción se construye desde un lugar incómodo, casi inhóspito. Portman transforma su propia experiencia en un relato sonoro de identidad, fragilidad y resistencia, dejando que la crudeza emocional marque el pulso del tema. No hay distancia ni refugio: todo ocurre en primer plano. En lo lírico, la figura del “ciervo en el lago” atraviesa la canción como una imagen central. Una metáfora de desorientación, pero también de alerta y supervivencia. El ciervo no huye: observa, resiste, se mantiene en pie en medio de aguas inestables. Desde ahí, la letra retrata un momento de búsqueda personal atravesado por el desamor, la indiferencia y la confusión, sin renunciar a una voluntad firme de seguir adelante.

Peepshow regresa con ¨Solisombra¨su esperado nuevo disco

Los sevillanos La isla de Peter regresan por todo lo alto con un single que deja bien a las claras su amplio espectro de influencias musicales . Una banda que se sabe mover como pez en el agua por diferentes estilos musicales, lo cual dejan bien a las claras con ¨Mi Suerte¨. ¨Mi Suerte¨ es una ranchera-pop que transita el desamor desde el orgullo herido y la vulnerabilidad . La canción retrata la caída de alguien que se creía invencible y que, con la marcha del amor, ve cómo todo se desmorona a su alrededor. Lo que antes era seguridad se convierte en duda, y la fortaleza deja paso a una profunda sensación de pérdida. Entre recuerdos que no dan tregua, culpas que pesan más de la cuenta y una racha de mala suerte que parece no terminar, el vino aparece como confidente silencioso y refugio improvisado. La nostalgia se instala sin pedir permiso y acompaña cada pensamiento, cada intento fallido de olvidar. Sin embargo, en medio de la derrota emocional, la canción deja espacio para una última certeza: si ella vuelve, también lo hará la suerte . Una esperanza frágil, pero persistente que mantiene viva la fe en que el amor, aun herido, puede volver a cambiarlo todo.

Con Tu Piel, el artista colombiano Dani Solís presenta un nuevo capítulo en su trayectoria musical, una canción que captura el instante exacto en el que el amor deja de ser una intuición y se convierte en certeza. A través de miradas, caricias y el roce de dos cuerpos que se reconocen, el tema narra ese enamoramiento inevitable que enloquece y transforma. Con una letra directa y profundamente sensorial , Tu Piel habla de la magia de sentir a otra persona tan cerca que el alma parece habitar en su ser. Es una historia de deseo contenido, de noches que prometen amaneceres compartidos y de la vulnerabilidad que implica admitir sin reservas: “ya puedo ver, me enamoré”. Una confesión íntima que conecta con cualquiera que haya sentido cómo un solo contacto puede cambiarlo todo. Musicalmente, la canción se mueve entre la sensibilidad del pop latino contemporáneo y una atmósfera envolvente que prioriza la emoción por encima del artificio. Dani Solís construye el r elato desde la cercanía, apoyándose en una interpretación vocal cálida y honesta, capaz de transmitir tanto fragilidad como intensidad emocional. La producción acompaña este viaje con elegancia y sutileza, reforzando el clima íntimo que envuelve al tema.

Tres voces, un mismo pulso emocional: Ramdel presenta “Mi Pasatiempo”

● ¿En qué “esquina” nace realmente la banda: una física, una emocional o una musical… y qué tiene ese cruce que define hoy por hoy al proyecto? La Esquina surge de la idea de Juanfe Jiménez y Jorge León de montar una banda mientras los dos estudiaban Medicina. Todo empezó en la facultad de Medicina de la UCM. De hecho, llegamos a hacer allí algún ensayo con la consiguiente bronca de algún profesor. Previamente Juanfe había estado en otra banda que montó en su época de colegio: Línea 6. Barajamos varios nombres que prefiero no comentar (). Este último (La Esquina) se me ocurrió a mí. Es como un lugar o un punto de confluencia en sentido general ● Toda banda tiene un punto de inflexión: ¿cuál fue ese momento en el que La Esquina dejó de ser una idea y pasó a sentirse como un proyecto real? Desde el principio tenía (al menos yo) vocación/intención de llegar a cualquier sitio, sin límites. Evidentemente eso no dependía sólo de nosotros y las circunstancias nos llevaron por diferentes sitios. Hubo un momento, con la incorporación de Maxi (Maxi Lacosta), en que pasamos a un nivel superior de sonido, calidad y compromiso. Esto sería en torno a 1991. Sonábamos bien, mejoraron las canciones y teníamos muchos seguidores. Tocábamos casi todas las semanas y aparecíamos en los carteles de las principales salas de Madrid de la época. Puedo decir que fuimos de las primeras bandas en tocar en Siroco y que allí actuábamos muchas veces. En 1993 recibimos el premio al Mejor Grupo POP Siroco 93. ● Cuando compones, ¿eres más de darle mil vueltas a todo hasta el último acorde o de dejar que el caos haga su trabajo? Mi forma de componer ha cambiado con el tiempo. Ahora suelo coger la guitarra y empiezo a concatenar acordes que en ese momento me inspiran algo; lo dejo grabado en el móvil con alguna melodía improvisada con palabras sin sentido. Suelo tener muchas de esas grabaciones cortas (de segundos) en el móvil. Además, voy escribiendo frases o conceptos que van surgiendo en un cuaderno o en el móvil: cosas que se me ocurren, pensamientos, frases de canciones, de libros o de películas… Cosas que creo que pueden dar forma a una historia. De repente un día, al re-escuchar alguna grabación la sensación de “aquí hay algo” es más intensa y me centro en ella. Actualmente trabajo más los temas que en el pasado: la música, las partes, las letras. Les dedico más tiempo: las escucho y vuelvo a escuchar hasta que me convence de forma casi completa.

El Laberinto es el nuevo single de Marcelo Champanier , una canción con la que el artista argentino nos sigue encaminando hacía lo que será su disco en directo, el cual fue grabado en la emblemática sala Honky Tonk de Madrid , capturando la esencia más cruda y honesta de su propuesta artística. El tema refleja ese espacio emocional en el que perderse también forma parte del camino, un recorrido interno marcado por dudas, contradicciones y la necesidad de avanzar incluso cuando no hay una salida clara. La letra de El Laberinto funciona como una metáfora vital: decisiones que se cruzan, vueltas sobre uno mismo y la sensación de estar atrapado entre lo que se es y lo que se busca . Marcelo Champanier convierte esa confusión en relato, apoyándose en una interpretación intensa y cercana que conecta directamente con el oyente. La canción habla de caídas, de preguntas sin respuesta y de la valentía que implica seguir caminando aún sin certezas . Champanier reafirma así su capacidad para transformar experiencias íntimas en canciones honestas y universales. Con una trayectoria que lo ha convertido en una de las voces más personales y sensibles de la escena hispanoamericana .

Anclados estrena el videoclip de “Siete” , una de las canciones que forman parte de su primer álbum, titulado de manera homónima. El tema funciona como una auténtica declaración de intenciones: directa, honesta y cargada de identidad , marcando el punto de partida de una banda que apuesta por las emociones sin artificios. El videoclip que acompaña a esta canción llega con una narrativa sencilla y efectiva , reforzando el carácter introspectivo de la canción y poniendo el foco en la interpretación y la atmósfera. Una pieza visual que subraya el ADN del proyecto y consolida la personalidad de la banda en esta primera etapa. SIETE es un himno que nace de una historia de amor real y de la valentía de apostar todo por ello . El SIETE simboliza la perfección y se repite en todo aquello que sentimos como completo: las SIETE maravillas del mundo, los SIETE días de la semana, los SIETE mares o incluso las SIETE notas musicales que dan vida a cualquier melodía. Tradicionalmente asociado a la buena suerte, aquí el SIETE no se espera, se busca, es un sueño hecho realidad. Es la elección consciente de ir con todo y si algo va mal “reírnos a la cara de la mala suerte” Una canción dedicada a quienes siguen creyendo en lo que sienten. Porque a veces, solo por atreverse, ya se ha ganado. Nosotros hemos apostado todo al SIETE ¿y tú? ¿Ya lo hiciste?

Entrar en el universo musical de la artista italiana Brigida es hacerlo en un mundo donde todo está medido al milímetro y cada verso se construye de una manera coral. Uno de los grandes exponentes es la canción ¨Carole King¨ ¨Carole King¨ explora la delgada línea que separa el instinto de la racionalidad, contando cómo una sintonía inesperada puede desbaratar las certezas más sólidas. La protagonista se enfrenta a la atracción que siente por una persona que ya está comprometida, consciente de las posibles consecuencias. La metáfora del D r. Jekyll y Mr. Hyde en el estribillo se convierte en la clave para interpretar ese conflicto interior en el que el corazón y la mente siguen direcciones opuestas. Más que una simple historia de tentación, la canción se configura como una íntima investigación sobre la dualidad humana, sobre esos sentimientos que todos experimentamos, pero que rara vez admitimos. El título de la canción no es solo una referencia a la banda sonora del episodio narrado, sino también un pequeño homenaje a una artista que ha marcado en la trayectoria de Brigida . Carole King siempre ha sido una de sus principales fuentes de inspiración, tanto como compositora como intérprete.