● Un disco en directo siempre tiene algo de “radiografía real” de una banda… ¿qué vais a mostrar de Tangerine Flavour que en estudio todavía no se había visto del todo? Creo que este disco enseña la versión más honesta de Tangerine Flavour, y además es algo que mucha gente cercana nos llevaba pidiendo desde hace años. Siempre nos han dicho que, aunque las canciones les gustan cuando las escuchan por primera vez en casa, en CD, vinilo o Spotify, el sentimiento es completamente distinto cuando las viven en directo. En estudio siempre intentas capturar la esencia, pero también hay un punto inevitable de control, de perfección y de pulido. Aquí, en cambio, se escucha la banda tal y como suena cuando se apagan las luces y empieza el ruido de verdad: la energía real, el sudor, la tensión, la interacción entre nosotros y con el público. Se escucha el carácter de Tangerine Flavour, incluso con sus pequeñas imperfecciones, que al final son las que hacen que todo sea auténtico. Y por primera vez, creemos que esa sensación de directo queda realmente reflejada en un disco. ● Si tuvierais que escuchar este disco en directo dentro de diez años, ¿qué os gustaría que os devolviera: orgullo, nostalgia, o la sensación de haber sobrevivido a algo? Si tuviera que escucharlo dentro de diez años, me gustaría que me devolviera un poco de todo: orgullo, nostalgia y esa sensación de haber sobrevivido a algo. Pero sobre todo me gustaría que, si dentro de diez años ya no seguimos tocando o incluso no seguimos juntos como banda, este disco nos recuerde lo felices que éramos en ese momento. Lo que significaba tocar, tocar junto a tus amigos, casi como hermanos, y hacerlo para tus amigos, tu familia y la gente que venía a vernos. Al final, igual que una foto puede enmarcar un instante para siempre, este disco va a enmarcar una sensación. Y seguramente nos hará mirar atrás a nuestra juventud, como cuando vemos vídeos antiguos de nuestra trayectoria, de cuando empezamos y pensábamos que éramos increíbles… y ahora nos da hasta vergüenza ajena. Pero precisamente ahí está la gracia: que quede guardado lo real, lo vivido, lo que fuimos en ese momento. ● Vuestro sonido siempre ha tenido mucho de carretera y directo… ¿ha habido canciones que hayan crecido tanto en vivo que casi se hayan convertido en otra cosa respecto a sus versiones originales? Sí, totalmente. Hay canciones que en estudio son una fotografía y en directo se convierten en una película. Algunas han ganado velocidad, otras se han vuelto más agresivas o más expansivas, y otras incluso han cambiado el peso emocional. El directo te obliga a reinterpretar, a dejar espacio a la improvisación y a la respuesta del público. Un ejemplo sería “Dark Winter”, del primer EP Tangerine Flavour EP. Es una canción que lleva con nosotros más de diez años y que ha ido evolucionando con el tiempo de una forma brutal. La versión original fue solo el punto de partida, porque en directo empezó a coger nuevas formas, nuevos matices, otro latido… hasta el punto de que, durante muchos años, la versión que realmente la identificaba no estaba grabada en ningún disco. Solo existía sobre el escenario. Este álbum en directo captura por fin esa esencia: la cara más eléctrica y energética que muchas canciones ganan cuando las tocamos en vivo, y que al final es donde sentimos que Tangerine Flavour suena de verdad.

Brigida vuelve a la carga con Tiempo Perdido , un single que convierte el desamor en actitud y ritmo . La artista abruzzesa, instalada en Madrid, refuerza su identidad sonora combinando la sensibilidad del pop italiano con matices de indie y R&B actual, dando forma a un tema tan pegadizo como liberador. Lejos de recrearse en la tristeza, la canción apuesta por mirar hacia adelante. Tiempo Perdido captura ese momento en el que, tras una ruptura, todo pasa por reconstruirse , salir, reírse de uno mismo y, de paso, ajustar cuentas emocionales con elegancia. Su estribillo inmediato y su energía contagiosa la convierten en un himno perfecto para quienes han decidido cerrar una etapa sin perder el estilo. “Venía de una relación complicada que me dejó bastante tocada a nivel emocional”, explica Brigida. “Necesitaba canalizar todo eso en una canción. Pensé que sería algo mucho más triste, pero acabó saliendo desde otro lugar: el del humor. La ironía fue clave para darle la vuelta a la historia y, en mi caso, resultó ser la mejor forma de sanar”. Este lanzamiento reafirma la capacidad de Brigida para conectar desde la honestidad, con una propuesta que equilibra emoción y frescura sin caer en clichés . Tiempo Perdido funciona como desahogo y celebración a partes iguales : un tema pensado para corearlo sin complejos, ya sea en carretera o en una noche de verano entre amigos.

Después de ir dejando pistas en forma de adelantos, Marcelo Champanier destapa por fin uno de esos trabajos que no buscan gustar a todo el mundo , sino sacudirlo: “Marcelo Champanier en vivo Honky Tonk”. Un disco que no se disfraza de directo, lo es . Sin trampa ni cartón. Crudo, eléctrico y con la sensación constante de que todo puede irse al carajo en cualquier momento… y ahí está precisamente su magia. Grabado en la mítica sala Honky Tonk de Madrid, este lanzamiento captura a Champanier en su hábitat natural: el escenario. Guitarras al frente, una banda apretando sin margen para el error y un sonido que respira urgencia, sudor y verdad. Aquí no hay sobreproducción ni retoques de laboratorio; hay amplificadores al rojo vivo y canciones que se defienden solas, como deben. El artista argentino, afincado en España desde hace años, lleva tiempo consolidando una carrera marcada por la honestidad y el pulso rockero . Lejos de fórmulas prefabricadas, Champanier ha construido un universo propio donde conviven la crudeza del rock clásico, el nervio del directo y una forma de escribir que conecta desde lo cotidiano . Este nuevo trabajo no hace más que reforzar esa identidad: es un retrato fiel de lo que ocurre cuando todo eso se junta sobre las tablas.

Domine da un paso más en la evolución de su tercer disco Entre Líneas y lo despide como se merece: con un lanzamiento que reaviva una de sus canciones más íntimas . El artista presenta “Bajo la Piel (Elektro Guy Skinny Fit Mix)”, una remezcla inédita que ya está disponible en todas las plataformas de streaming y que aporta una nueva dimensión sonora a uno de los temas más especiales del álbum. La producción corre a cargo del productor italiano Elektro Guy , quien repite colaboración con Domine tras su trabajo previo en “El Espíritu del Deseo”. En esta ocasión, el productor lleva “Bajo la Piel” hacia un terreno más electrónico y envolvente, respetando la esencia emocional del tema pero elevando su intensidad con una pulsión más contemporánea. “Bajo la Piel” destaca dentro de Entre Líneas como una de las composiciones más románticas del repertorio de Domine . Una declaración de amor sin rodeos que conecta directamente con el oyente y que funciona como cierre perfecto para un disco que gira en torno a las relaciones personales y sus distintas fases: desde el deseo hasta la introspección.

El músico y compositor Dani Solís da el pistoletazo de salida a una nueva etapa en su carrera con el inicio de la gira de presentación de su último trabajo discográfico, Sideral. Un álbum que marca un punto de inflexión en su trayectoria, tanto a nivel sonoro como emocional, y que ahora cobra vida sobre los escenarios en una serie de conciertos que prometen intensidad, cercanía y una conexión directa con el público. La gira arrancará el próximo 3 de mayo en el Kubrick Bar de Bilbao , en lo que será el primer encuentro en directo con las canciones de Sideral, un disco que transita entre atmósferas envolventes, letras introspectivas y una evolución artística que consolida la identidad de Solís. Posteriormente, el artista llevará su propuesta al Aleatorio Bar de Madrid el 30 de mayo, en una cita clave dentro de este primer tramo del tour. Sideral no es solo una colección de canciones, sino una experiencia conceptual que invita a mirar hacia dentro mientras se exploran nuevos horizontes sonoros. En directo, estas composiciones se transforman, ganan cuerpo y se expanden, ofreciendo un espectáculo cuidado al detalle donde la emoción y la energía conviven en equilibrio.

La banda madrileña La Esquina vuelve a la carga con “Nostálgico”, un single que funciona como carta de presentación de su próximo trabajo discográfico. Un tema que, como su propio título sugiere, se mueve entre la melancolía y la mirada hacia atrás, pero sin perder de vista el pulso contemporáneo que define el sonido del grupo. “Nostálgico” no es solo un ejercicio de evocación emocional, sino también una declaración de intenciones. La Esquina afina aquí su identidad sonora: guitarras envolventes, una base rítmica sólida y una interpretación vocal que transita con naturalidad entre la vulnerabilidad y la intensidad. El resultado es un corte que conecta de forma directa con el oyente, apelando a recuerdos personales mientras construye una atmósfera reconocible y honesta. La producción apuesta por la claridad y el equilibrio, dejando espacio a cada elemento sin caer en excesos. Hay ecos de indie rock clásico, pero también una sensibilidad más actual que sitúa a la banda en un punto interesante dentro del panorama nacional. “Nostálgico” suena a evolución, a banda que ha entendido bien hacia dónde quiere dirigirse.

Julio Blanco sigue demostrando su camaleónica actitud musical con Aquellos Besos

La banda madrileña Desarte presenta “Tu nudo”, un tema que se sumerge de lleno en ese terreno tan reconocible como incierto: el momento justo antes de enamorarse. La canción captura esa mezcla de emociones que surge cuando todo está por decidirse, cuando las dudas, las expectativas y la intuición chocan entre sí generando una tensión difícil de interpretar. Con un enfoque cercano y sincero, “Tu nudo” retrata ese instante en el que uno se debate entre callar o dar el paso, incluso sin saber qué habrá al otro lado. El tema conecta desde lo emocional al poner nombre a ese conflicto interno en el que corazón y cabeza no avanzan al mismo ritmo. Deseo, incertidumbre y vértigo conviven en una composición que refleja con acierto lo delicado y determinante de ese punto de inflexión. Nacida en 2022 en la Comunidad de Madrid, Desarte ha ido moldeando su personalidad sin ataduras, explorando con libertad el amplio territorio del rock and roll. Su propuesta se mueve con soltura entre el hard rock, el pop y el rock más clásico, dando forma a un sonido enérgico y directo. La banda combina guitarras y bajos de carácter vibrante, pianos con aroma blusero y una base rítmica firme que sostiene un conjunto lleno de intensidad. En lo lírico, Desarte apuesta por una visión inconformista que transita entre la exaltación de la locura, la libertad sexual y una mirada crítica hacia el mundo actual. Su propuesta va más allá de lo musical: es una descarga de actitud, honestidad y energía que busca impactar también en directo.

Ricardo Portman presenta A Five-Year Instant, su quinto trabajo de estudio y el primero que ve la luz tras su regreso a España después de una etapa en Londres. Disponible ya en todas las plataformas digitales, el álbum marca un punto de inflexión en su trayectoria: más directo, más crudo y, sobre todo, más honesto. Un proyecto donde Portman se encarga de todos los instrumentos (guitarras, bajo, teclados, percusión, armónica), la voz y la composición de todas sus canciones, que se mueven en el territorio del blues alternativo, del rock y del folk, todo dentro del registro del lo fi, de lo radicalmente analógico y en inglés. Sus influencias principales son The Beatles y los Rolling Stones, David Bowie, The Band, Nick Drake, Eric Clapton, Izzy Stradlin, Beck, R.E.M. y Syd Barrett, entre otros.  En este disco condensas cinco años de vida muy intensa… ¿ha sido más un ejercicio de cerrar heridas o de aprender a convivir con ellas? Las dos cosas. Porque una herida termina siendo una cicatriz y con esa cicatriz pues debes aprender a convivir, por lo que te recuerda. Hay heridas que aunque se curen, permanecen. A lo largo de tu trayectoria, ¿qué has tenido que dejar atrás —personal o musicalmente— para llegar al momento que captura este disco? He tenido que dejar atrás el instinto de conservación emocional. El dejar de protegerme tras la ficción lírica y poner sobre la mesa la 45 de mis sentimientos, mis experiencias y mis filias y fobias. En lo musical, afortunadamente no he dejado nada atrás, al contrario, lo tengo todo por delante, en modo ‘yellow brick road’. Hablas de amor, deseo, culpa o vértigo sin apenas filtros… ¿ha habido alguna emoción que te haya costado especialmente dejar expuesta en estas canciones? Sí, hay una y es la culpa. Porque es bastante difícil soltar el escudo figurado, para mostrarme como un ser falible e imperfecto, lo cual parece obvio porque todos lo somos, pero en mi caso fue especialmente duro por el lugar, el tiempo y las circunstancias.