El 14 de mayo nos citamos con Delabruma en Moby Dick

La artista española Eva Vázquez regresa con fuerza con el lanzamiento de su nuevo single , “Greedy Bastards” , una propuesta cargada de actitud y personalidad en la que une fuerzas con el reconocido músico Jeff Espinoza (Red House, Vargas Blues Band). Una colaboración de altos vueltos que ahora llega a nosotros con un potente video musical en el cual se capta toda la fuerza y energía del nuevo sencillo de la artista. En este nuevo trabajo, Eva Vázquez da un paso adelante en su evolución artística , apostando por un sonido más directo y contundente sin perder la sensibilidad que caracteriza su propuesta. “Greedy Bastards” se presenta como un tema incisivo y contemporáneo , que pone el foco en las contradicciones de una sociedad dominada por la ambición desmedida y la superficialidad.

Tomasito García y sus Desensamblados presentan “La comida está en el horno”: un mapa emocional hecho música

Conociendo a... La Isla de Peter

Marcelo Champanier nos presenta el último adelanto de su inminente disco en directo

Con “Shake”, Nessa May da un giro decidido a su trayectoria y pisa el acelerador sin mirar atrás. El tema abandona cualquier tentación contemplativa para lanzarse de lleno a un terreno más físico y urgente, donde el pulso manda. Hay destellos ochenteros, sí, pero aquí se filtran a través de una base de drum & bass que empuja todo hacia adelante, construyendo un track que se siente más en el cuerpo que en la cabeza. Este cambio no es solo estético: es una declaración de intenciones. “Shake” suena a riesgo, a movimiento, a una artista que empieza a jugar con sus propias reglas dentro del pop. Menos previsibilidad, más instinto. En lo lírico, la canción se sostiene sobre un punto de ruptura muy concreto: ese momento en el que todo pesa demasiado y ya no compensa seguir sosteniéndolo. Sin dramatismos innecesarios, el relato avanza hacia la decisión de cortar por lo sano, dejar atrás lo que no funciona y recuperar el control. Es una catarsis que no se recrea en la herida, sino que la utiliza como impulso.

Brigida sigue creando un proyecto cada vez más maduro a nivel musical, si en un inicio nos presento sus canciones en su lengua materna, el italiano, ahora llega el momento de poder disfrutarlas en castellano. El inicio de esta nueva aventura llega con una revisión del su clásico ¨Carole King¨, el cual se puede escuchar ahora en castellano. La canción toma una nueva visión y nos hace entrar de lleno en el universo sonoro de Brigida. Además de estas novedades, la italiana sigue abriéndose paso en el directo, el próximo 8 de mayo la podremos disfrutar en la sala Maravillas de Madrid acompañando al artista balear VicSan. Tu música mezcla emoción y carácter: ¿qué suele llegar primero cuando compones, la historia que quieres contar o la sensación que quieres provocar? ¡Depende de qué elemento de la canción surja primero! Cuando escribo una letra, me impulsa la necesidad de contar una historia: la sensación que quiero transmitir es un aspecto fundamental, pero llega después y depende del punto de vista desde el que decido abordar el tema. Cuando, en cambio, son las propias intuiciones musicales las que me guían, estas ya tienen un carácter bien definido y me dejo llevar por el flujo creativo. Cada melodía, en el momento en que nace, contiene en sí misma una historia y siempre intento contarla fielmente. Si tu música tuviera un lugar concreto en Italia, ¿sería una calle tranquila, una plaza llena de ruido o un viaje en tren mirando por la ventana? Si fuera un lugar en Italia, ¡sin duda sería una playa de mi pueblecito natal, en Abruzzo, donde nací y crecí! Estoy profundamente unida al mar; para mí, el contacto con la naturaleza es un bálsamo. Me reconecta conmigo misma en los momentos difíciles, y muchas de mis canciones se han inspirado en un paseo por la playa o por un parque. Me gusta pensar que la imagen de un atardecer de verano sobre el mar puede representar muy bien mi música, un lugar que aporta un velo de melancolía, ¡pero que podría ser el preludio de una noche inolvidable! ¿Qué parte de ti como persona no se veía en tus primeras canciones y ahora es imprescindible en tu sonido actual? Las primeras canciones fueron una válvula de escape, una auténtica terapia frente a las emociones y situaciones negativas. Mostraban mi lado más sensible y vulnerable, pero con el tiempo, a medida que la composición se fue integrando cada vez más en mi día a día, empecé a dar voz también a la ligereza y la ironía, otras características que siempre han formado parte de mi personalidad. En la música, ahora me gusta mantener la misma intensidad emocional que me impulsó a componer y, al mismo tiempo, la nueva ligereza adquirida que, como dice uno de mis escritores favoritos, Italo Calvino, no es falta de profundidad, sino la capacidad de contemplar las cosas desde arriba, sin tener un peso en el corazón. Estamos hechos de luces y sombras y quiero dar voz a ambas.

A veces hay que mirar atrás para entender por qué sigues aquí. Y justo ahí es donde juega Ramdel con “Siempre en el Ring”, su formato acústico: un regreso a la raíz, pero con otra piel. No es nostalgia, es perspectiva. El primer golpe llega con “Te dejé partir”, un tema rescatado de su debut que, en esta nueva versión, respira distinto. La canción gira alrededor de algo tan universal como complicado: aprender a soltar. Habla de ese momento en el que entiendes que, aunque haya cariño y recuerdos, lo más honesto —y a veces lo más duro— es dejar ir para poder avanzar. En acústico, esa historia se vuelve más cruda, más directa, más real. Si algo ha ido construyendo Ramdel con el tiempo es un universo propio donde las guitarras entran cuando tienen que entrar y las letras no esquivan lo importante: incertidumbre, cambios, segundas oportunidades. Sus canciones funcionan como pequeños flashes de vida, de esos que te pillan por sorpresa porque hablan, en el fondo, de todos nosotros.

El recorrido artístico de Sergio Freire es el de una búsqueda constante: una evolución orgánica que ha sabido transitar con naturalidad entre la introspección, la raíz y la electricidad. Desde la aparición de su primer EP, donde ya se intuía una querencia por las sonoridades de corte americana, Freire comenzó a perfilar una identidad propia marcada por la honestidad lírica y una sensibilidad melódica que bebía tanto del folk como del country más emocional. Después de degustar como se merece su nuevo disco ¨Sincericidio¨y de disfrutar de la primera parte de su gira de presentación, llega el momento de conocer un poquito más a fondo el proyecto del sevillano. ¿En qué momento Sergio Freire dejó de ser solo un nombre artístico para convertirse en un proyecto con voz propia? La verdad es que nace de una necesidad vital como artista, y lo bonito de esto es que el paso de ser un proyecto con voz propia está siendo muy paulatino y muy de carrera de fondo, lo cual es super satisfactorio, porque disfruto cada paso que ando en esta aventura musical. “Sincericidio” suena a confesión brutal. Si tu disco fuera un pecado capital, ¿cuál sería y por qué? Me encanta esta referencia, porque además como mi primer disco se llama 7 pecados, es un gancho muy divertido, yo diría que el pecado que representa este disco es la ira, el efecto de cantar las canciones con rabia e inquietud por soltar todo lo hay dentro de las canciones con un efecto emocional y directo, la representación sonora de la palabra “Sincericidio”. ¿Qué has tenido que desaprender como músico para llegar al sonido que estás construyendo ahora? He tenido que desaprender a ser músico en general, a crear canciones para el público general y no para el sector de músicos, eliminar esa faceta de querer impresionar o buscar reconocimiento e ir a los más básico y a la vez lo más difícil, el corazón de la gente y no buscar el virtuosismo o el barroco en las composiciones.