Después de ir dejando pistas en forma de adelantos, Marcelo Champanier destapa por fin uno de esos trabajos que no buscan gustar a todo el mundo , sino sacudirlo: “Marcelo Champanier en vivo Honky Tonk”. Un disco que no se disfraza de directo, lo es . Sin trampa ni cartón. Crudo, eléctrico y con la sensación constante de que todo puede irse al carajo en cualquier momento… y ahí está precisamente su magia. Grabado en la mítica sala Honky Tonk de Madrid, este lanzamiento captura a Champanier en su hábitat natural: el escenario. Guitarras al frente, una banda apretando sin margen para el error y un sonido que respira urgencia, sudor y verdad. Aquí no hay sobreproducción ni retoques de laboratorio; hay amplificadores al rojo vivo y canciones que se defienden solas, como deben. El artista argentino, afincado en España desde hace años, lleva tiempo consolidando una carrera marcada por la honestidad y el pulso rockero . Lejos de fórmulas prefabricadas, Champanier ha construido un universo propio donde conviven la crudeza del rock clásico, el nervio del directo y una forma de escribir que conecta desde lo cotidiano . Este nuevo trabajo no hace más que reforzar esa identidad: es un retrato fiel de lo que ocurre cuando todo eso se junta sobre las tablas.

Domine da un paso más en la evolución de su tercer disco Entre Líneas y lo despide como se merece: con un lanzamiento que reaviva una de sus canciones más íntimas . El artista presenta “Bajo la Piel (Elektro Guy Skinny Fit Mix)”, una remezcla inédita que ya está disponible en todas las plataformas de streaming y que aporta una nueva dimensión sonora a uno de los temas más especiales del álbum. La producción corre a cargo del productor italiano Elektro Guy , quien repite colaboración con Domine tras su trabajo previo en “El Espíritu del Deseo”. En esta ocasión, el productor lleva “Bajo la Piel” hacia un terreno más electrónico y envolvente, respetando la esencia emocional del tema pero elevando su intensidad con una pulsión más contemporánea. “Bajo la Piel” destaca dentro de Entre Líneas como una de las composiciones más románticas del repertorio de Domine . Una declaración de amor sin rodeos que conecta directamente con el oyente y que funciona como cierre perfecto para un disco que gira en torno a las relaciones personales y sus distintas fases: desde el deseo hasta la introspección.

El músico y compositor Dani Solís da el pistoletazo de salida a una nueva etapa en su carrera con el inicio de la gira de presentación de su último trabajo discográfico, Sideral. Un álbum que marca un punto de inflexión en su trayectoria, tanto a nivel sonoro como emocional, y que ahora cobra vida sobre los escenarios en una serie de conciertos que prometen intensidad, cercanía y una conexión directa con el público. La gira arrancará el próximo 3 de mayo en el Kubrick Bar de Bilbao , en lo que será el primer encuentro en directo con las canciones de Sideral, un disco que transita entre atmósferas envolventes, letras introspectivas y una evolución artística que consolida la identidad de Solís. Posteriormente, el artista llevará su propuesta al Aleatorio Bar de Madrid el 30 de mayo, en una cita clave dentro de este primer tramo del tour. Sideral no es solo una colección de canciones, sino una experiencia conceptual que invita a mirar hacia dentro mientras se exploran nuevos horizontes sonoros. En directo, estas composiciones se transforman, ganan cuerpo y se expanden, ofreciendo un espectáculo cuidado al detalle donde la emoción y la energía conviven en equilibrio.

La banda madrileña La Esquina vuelve a la carga con “Nostálgico”, un single que funciona como carta de presentación de su próximo trabajo discográfico. Un tema que, como su propio título sugiere, se mueve entre la melancolía y la mirada hacia atrás, pero sin perder de vista el pulso contemporáneo que define el sonido del grupo. “Nostálgico” no es solo un ejercicio de evocación emocional, sino también una declaración de intenciones. La Esquina afina aquí su identidad sonora: guitarras envolventes, una base rítmica sólida y una interpretación vocal que transita con naturalidad entre la vulnerabilidad y la intensidad. El resultado es un corte que conecta de forma directa con el oyente, apelando a recuerdos personales mientras construye una atmósfera reconocible y honesta. La producción apuesta por la claridad y el equilibrio, dejando espacio a cada elemento sin caer en excesos. Hay ecos de indie rock clásico, pero también una sensibilidad más actual que sitúa a la banda en un punto interesante dentro del panorama nacional. “Nostálgico” suena a evolución, a banda que ha entendido bien hacia dónde quiere dirigirse.

Julio Blanco sigue demostrando su camaleónica actitud musical con Aquellos Besos

La banda madrileña Desarte presenta “Tu nudo”, un tema que se sumerge de lleno en ese terreno tan reconocible como incierto: el momento justo antes de enamorarse. La canción captura esa mezcla de emociones que surge cuando todo está por decidirse, cuando las dudas, las expectativas y la intuición chocan entre sí generando una tensión difícil de interpretar. Con un enfoque cercano y sincero, “Tu nudo” retrata ese instante en el que uno se debate entre callar o dar el paso, incluso sin saber qué habrá al otro lado. El tema conecta desde lo emocional al poner nombre a ese conflicto interno en el que corazón y cabeza no avanzan al mismo ritmo. Deseo, incertidumbre y vértigo conviven en una composición que refleja con acierto lo delicado y determinante de ese punto de inflexión. Nacida en 2022 en la Comunidad de Madrid, Desarte ha ido moldeando su personalidad sin ataduras, explorando con libertad el amplio territorio del rock and roll. Su propuesta se mueve con soltura entre el hard rock, el pop y el rock más clásico, dando forma a un sonido enérgico y directo. La banda combina guitarras y bajos de carácter vibrante, pianos con aroma blusero y una base rítmica firme que sostiene un conjunto lleno de intensidad. En lo lírico, Desarte apuesta por una visión inconformista que transita entre la exaltación de la locura, la libertad sexual y una mirada crítica hacia el mundo actual. Su propuesta va más allá de lo musical: es una descarga de actitud, honestidad y energía que busca impactar también en directo.

Ricardo Portman presenta A Five-Year Instant, su quinto trabajo de estudio y el primero que ve la luz tras su regreso a España después de una etapa en Londres. Disponible ya en todas las plataformas digitales, el álbum marca un punto de inflexión en su trayectoria: más directo, más crudo y, sobre todo, más honesto. Un proyecto donde Portman se encarga de todos los instrumentos (guitarras, bajo, teclados, percusión, armónica), la voz y la composición de todas sus canciones, que se mueven en el territorio del blues alternativo, del rock y del folk, todo dentro del registro del lo fi, de lo radicalmente analógico y en inglés. Sus influencias principales son The Beatles y los Rolling Stones, David Bowie, The Band, Nick Drake, Eric Clapton, Izzy Stradlin, Beck, R.E.M. y Syd Barrett, entre otros.  En este disco condensas cinco años de vida muy intensa… ¿ha sido más un ejercicio de cerrar heridas o de aprender a convivir con ellas? Las dos cosas. Porque una herida termina siendo una cicatriz y con esa cicatriz pues debes aprender a convivir, por lo que te recuerda. Hay heridas que aunque se curen, permanecen. A lo largo de tu trayectoria, ¿qué has tenido que dejar atrás —personal o musicalmente— para llegar al momento que captura este disco? He tenido que dejar atrás el instinto de conservación emocional. El dejar de protegerme tras la ficción lírica y poner sobre la mesa la 45 de mis sentimientos, mis experiencias y mis filias y fobias. En lo musical, afortunadamente no he dejado nada atrás, al contrario, lo tengo todo por delante, en modo ‘yellow brick road’. Hablas de amor, deseo, culpa o vértigo sin apenas filtros… ¿ha habido alguna emoción que te haya costado especialmente dejar expuesta en estas canciones? Sí, hay una y es la culpa. Porque es bastante difícil soltar el escudo figurado, para mostrarme como un ser falible e imperfecto, lo cual parece obvio porque todos lo somos, pero en mi caso fue especialmente duro por el lugar, el tiempo y las circunstancias.

Lucas Mira reafirma su regreso con “Inconfundible”, el single que define el pulso de El Vuelo

Hay canciones que se escuchan y otras que te empujan a mirarte de frente. The Only Way, el nuevo single de los gallegos Animal Scrape , pertenece claramente a la segunda categoría. Este nuevo lanzamiento se adentra en ese territorio incómodo —y universal— de la búsqueda personal: ese camino que muchos persiguen durante toda la vida sin tener muy claro dónde empieza ni dónde termina. Con una narrativa directa y sin rodeos, The Only Way retrata esa sensación de ir a ciegas, de tropezar una y otra vez con las mismas dudas, de obsesionarse con destinos que parecen más “lógicos” o alcanzables … o, por el contrario, de autoimponerse metas imposibles que nunca llegan a ser suficientes . Un bucle mental en el que es fácil perderse. Pero lejos de recrearse en la frustración, el tema lanza un mensaje claro: quizá no se trata de acertar, sino de ser honesto con uno mismo. De escuchar qué te mueve de verdad. De hacer caso a esa intuición que muchas veces silenciamos por miedo, por presión externa o por pura inercia. The Only Way pone el foco en lo esencial: hacer lo que te llena, sin pedir permiso, sin encajar en expectativas ajenas y, sobre todo, sin autosabotearte. Porque el verdadero bloqueo no suele estar fuera, sino dentro. El tema también reivindica algo tan simple —y tan difícil— como la perseverancia . Entender que no hay atajos ni respuestas rápidas, que el camino no es una meta sino un proceso continuo de descubrimiento. Caerse, levantarse, dudar… y seguir. Más que una canción, The Only Way funciona como un recordatorio necesario: cuando dejas de ponerte límites, empiezas a descubrir de lo que realmente eres capaz. Y ahí, justo ahí, es donde todo cobra sentido. Porque al final, no hay una única forma correcta de hacerlo. Solo hay una: la tuya.