Con “Shake”, Nessa May da un giro decidido a su trayectoria y pisa el acelerador sin mirar atrás. El tema abandona cualquier tentación contemplativa para lanzarse de lleno a un terreno más físico y urgente, donde el pulso manda. Hay destellos ochenteros, sí, pero aquí se filtran a través de una base de drum & bass que empuja todo hacia adelante, construyendo un track que se siente más en el cuerpo que en la cabeza. Este cambio no es solo estético: es una declaración de intenciones. “Shake” suena a riesgo, a movimiento, a una artista que empieza a jugar con sus propias reglas dentro del pop. Menos previsibilidad, más instinto. En lo lírico, la canción se sostiene sobre un punto de ruptura muy concreto: ese momento en el que todo pesa demasiado y ya no compensa seguir sosteniéndolo. Sin dramatismos innecesarios, el relato avanza hacia la decisión de cortar por lo sano, dejar atrás lo que no funciona y recuperar el control. Es una catarsis que no se recrea en la herida, sino que la utiliza como impulso.

Brigida sigue creando un proyecto cada vez más maduro a nivel musical, si en un inicio nos presento sus canciones en su lengua materna, el italiano, ahora llega el momento de poder disfrutarlas en castellano. El inicio de esta nueva aventura llega con una revisión del su clásico ¨Carole King¨, el cual se puede escuchar ahora en castellano. La canción toma una nueva visión y nos hace entrar de lleno en el universo sonoro de Brigida. Además de estas novedades, la italiana sigue abriéndose paso en el directo, el próximo 8 de mayo la podremos disfrutar en la sala Maravillas de Madrid acompañando al artista balear VicSan. Tu música mezcla emoción y carácter: ¿qué suele llegar primero cuando compones, la historia que quieres contar o la sensación que quieres provocar? ¡Depende de qué elemento de la canción surja primero! Cuando escribo una letra, me impulsa la necesidad de contar una historia: la sensación que quiero transmitir es un aspecto fundamental, pero llega después y depende del punto de vista desde el que decido abordar el tema. Cuando, en cambio, son las propias intuiciones musicales las que me guían, estas ya tienen un carácter bien definido y me dejo llevar por el flujo creativo. Cada melodía, en el momento en que nace, contiene en sí misma una historia y siempre intento contarla fielmente. Si tu música tuviera un lugar concreto en Italia, ¿sería una calle tranquila, una plaza llena de ruido o un viaje en tren mirando por la ventana? Si fuera un lugar en Italia, ¡sin duda sería una playa de mi pueblecito natal, en Abruzzo, donde nací y crecí! Estoy profundamente unida al mar; para mí, el contacto con la naturaleza es un bálsamo. Me reconecta conmigo misma en los momentos difíciles, y muchas de mis canciones se han inspirado en un paseo por la playa o por un parque. Me gusta pensar que la imagen de un atardecer de verano sobre el mar puede representar muy bien mi música, un lugar que aporta un velo de melancolía, ¡pero que podría ser el preludio de una noche inolvidable! ¿Qué parte de ti como persona no se veía en tus primeras canciones y ahora es imprescindible en tu sonido actual? Las primeras canciones fueron una válvula de escape, una auténtica terapia frente a las emociones y situaciones negativas. Mostraban mi lado más sensible y vulnerable, pero con el tiempo, a medida que la composición se fue integrando cada vez más en mi día a día, empecé a dar voz también a la ligereza y la ironía, otras características que siempre han formado parte de mi personalidad. En la música, ahora me gusta mantener la misma intensidad emocional que me impulsó a componer y, al mismo tiempo, la nueva ligereza adquirida que, como dice uno de mis escritores favoritos, Italo Calvino, no es falta de profundidad, sino la capacidad de contemplar las cosas desde arriba, sin tener un peso en el corazón. Estamos hechos de luces y sombras y quiero dar voz a ambas.

A veces hay que mirar atrás para entender por qué sigues aquí. Y justo ahí es donde juega Ramdel con “Siempre en el Ring”, su formato acústico: un regreso a la raíz, pero con otra piel. No es nostalgia, es perspectiva. El primer golpe llega con “Te dejé partir”, un tema rescatado de su debut que, en esta nueva versión, respira distinto. La canción gira alrededor de algo tan universal como complicado: aprender a soltar. Habla de ese momento en el que entiendes que, aunque haya cariño y recuerdos, lo más honesto —y a veces lo más duro— es dejar ir para poder avanzar. En acústico, esa historia se vuelve más cruda, más directa, más real. Si algo ha ido construyendo Ramdel con el tiempo es un universo propio donde las guitarras entran cuando tienen que entrar y las letras no esquivan lo importante: incertidumbre, cambios, segundas oportunidades. Sus canciones funcionan como pequeños flashes de vida, de esos que te pillan por sorpresa porque hablan, en el fondo, de todos nosotros.

El recorrido artístico de Sergio Freire es el de una búsqueda constante: una evolución orgánica que ha sabido transitar con naturalidad entre la introspección, la raíz y la electricidad. Desde la aparición de su primer EP, donde ya se intuía una querencia por las sonoridades de corte americana, Freire comenzó a perfilar una identidad propia marcada por la honestidad lírica y una sensibilidad melódica que bebía tanto del folk como del country más emocional. Después de degustar como se merece su nuevo disco ¨Sincericidio¨y de disfrutar de la primera parte de su gira de presentación, llega el momento de conocer un poquito más a fondo el proyecto del sevillano. ¿En qué momento Sergio Freire dejó de ser solo un nombre artístico para convertirse en un proyecto con voz propia? La verdad es que nace de una necesidad vital como artista, y lo bonito de esto es que el paso de ser un proyecto con voz propia está siendo muy paulatino y muy de carrera de fondo, lo cual es super satisfactorio, porque disfruto cada paso que ando en esta aventura musical. “Sincericidio” suena a confesión brutal. Si tu disco fuera un pecado capital, ¿cuál sería y por qué? Me encanta esta referencia, porque además como mi primer disco se llama 7 pecados, es un gancho muy divertido, yo diría que el pecado que representa este disco es la ira, el efecto de cantar las canciones con rabia e inquietud por soltar todo lo hay dentro de las canciones con un efecto emocional y directo, la representación sonora de la palabra “Sincericidio”. ¿Qué has tenido que desaprender como músico para llegar al sonido que estás construyendo ahora? He tenido que desaprender a ser músico en general, a crear canciones para el público general y no para el sector de músicos, eliminar esa faceta de querer impresionar o buscar reconocimiento e ir a los más básico y a la vez lo más difícil, el corazón de la gente y no buscar el virtuosismo o el barroco en las composiciones.

Sr. Bizarro debuta con Frecuencias y Armonías Temporales, un primer disco que funciona como un estallido de energía y emociones en constante movimiento. La banda alicantina presenta un álbum directo, cambiante y sin corsés, pensado para conectar con el oyente desde la primera escucha y llevarlo de la introspección al baile sin pedir permiso. Lejos de etiquetas cerradas, el disco transita por paisajes sonoros diversos que responden a una necesidad clara de renovación y frescura dentro del panorama actual. Cada canción abre una puerta distinta, alternando momentos de reflexión con otros de pulsión rítmica, siempre con una identidad propia que se niega a quedarse quieta. Nos sentamos para charlar con ellos de una manera más amena. ⁠Si vuestro nuevo disco fuera una película, ¿sería más drama existencial, comediacaótica o thriller emocional… y quién moriría primero? Comedia caótica y moriría yo primero sin duda jajajaja 🙄 ¿Qué canción del álbum creéis que mejor representa a Sr. Bizarro cuando está defiesta… y cuando está en plena crisis a las 3 de la mañana? ⁠“Tú También Canallas”🔥 Si tuvierais que describir el sonido de este disco usando solo comida, ¿qué menú nos estaríais sirviendo? ⁠Sería un menú que te dejaría satisfecho, con sabores variados e intensos, repetirías seguro 😋 ¿Hay alguna letra del disco que ahora os dé un poco de vergüenza… o de la que estéis peligrosamente orgullosos? ⁠ ⁠Subrayo todo lo escrito en este disco, y volvería a repetir hasta los mismos errores o gamberradas que describen las historias de este disco ❤️…. Y peligrosamente orgullosos de “Labios Violetas”🫦 Imaginad que alguien escucha el disco por primera vez en bucle durante un viaje largo: ¿en qué momento exacto creéis que se engancha sin remedio? ⁠En el segundo 15🚀☄️😌

El potente directo de Evanora se disfrutará en el Original Fest 2026

Solar se presenta en sociedad por todo lo alto

El recorrido artístico de Sergio Freire es el de una búsqueda constante: una evolución orgánica que ha sabido transitar con naturalidad entre la introspección, la raíz y la electricidad. Desde la aparición de su primer EP, donde ya se intuía una querencia por las sonoridades de corte americana, Freire comenzó a perfilar una identidad propia marcada por la honestidad lírica y una sensibilidad melódica que bebía tanto del folk como del country más emocional. Aquel punto de partida, íntimo y contenido, fue creciendo en matices y ambición con cada lanzamiento posterior. Sin perder nunca el pulso narrativo, su música empezó a abrirse hacia estructuras más amplias y una instrumentación más rica, acercándose progresivamente a un rock de corte clásico en castellano que encuentra en la carretera, el desgarro y la verdad sus principales señas de identidad.

Ricardo Portman firma con A Five-Year Instant un nuevo capítulo en su carrera: su quinto álbum de estudio y el primero que nace tras su regreso a España después de su etapa en Londres. Ya disponible en plataformas digitales, el disco no es solo un lanzamiento más, sino un giro claro en su narrativa artística: menos ornamento, más verdad; menos distancia, más piel. A lo largo de diez canciones, Portman destila cinco años de vivencias intensas —del amor al vértigo, de la culpa a la esperanza— en una especie de diario emocional fragmentado. El sonido, que se mueve entre el blues-rock y el pop alternativo, rehúye cualquier artificio para centrarse en lo esencial: capturar emociones en estado puro, sin domesticar. La estética del álbum acompaña esa idea de tránsito constante. La imagen, tomada desde la ventanilla de un tren en marcha, en blanco y negro, actúa como metáfora visual de todo lo que atraviesa el disco: recuerdos que se diluyen, pensamientos en fuga y esa extraña sensación de avanzar incluso cuando todo parece suspendido. El recorrido arranca con “Deer”, una apertura contenida y vulnerable que marca el tono del viaje. A partir de ahí, el álbum se despliega en un vaivén de intensidades: “Trepidation Blues” abraza la inquietud desde lo acústico, mientras “She’s My Girl” estalla con una energía cruda y casi punk. En “Scared”, Portman se adentra en el conflicto interno con una delicadeza incómoda, antes de que “Hurricane” irrumpe como una tormenta emocional, tan magnética como destructiva.